La historia del Cine - Como Funciona el Cine.

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Re: La historia del Cine - Como Funciona el Cine.

Mensaje por gocuzero el Sáb Sep 06, 2014 9:52 am


Pantomima


El cine y la pantomima:



El naciente arte cinematográfico, carente de sonido, debió asistirse de los recursos que le fueran posibles, cuando decidió emprender las representaciones escénicas, fue entonces que recurrió a la pantomima. Fue este el último período de auge importante de esta modalidad. Uno de los mayores exponentes de ese período fue Charles Chaplin


La Pantomima es un genero dramático que se enfoca en representar una historia mediante la mímica, no intervienen diálogos ni palabras habladas, en su lugar intervienen expresiones, gesticulaciones y movimientos corporales que permiten al espectador comprender la narración.



La mímica dramática surge en la época de florecimiento del Imperio Griego y el Imperio Romano con el desarrollo de las artes escénicas. En Grecia se acostumbraba un tipo de representación dramática en la que el elenco portaba máscaras para la ejecución de un papel, frecuentemente realizando la narración o interpretación de una obra que era acompañada por música. Este tipo de representaciones podían incluir o no diálogos hablados, ya que este tipo de entretenimiento no era necesariamente en silencio. Este tipo de entretenimiento se traspasó a los dominios romanos en donde se convirtió en el espectáculo popular por excelencia, enfocándose prinicipalmente a las narraciones y burlesques de hazañas militares y relatos épicos.

En Roma, el mimo se convirtió en pantomima. Existen relatos sobre un actor griego esclavizado por los romanos, Livíus Andrónicus, que actuaba en espacios al aire libre, y durante una representación perdió la voz, con lo cual tuvo que pedir a uno de los coreutas, para que recitara su parlamento, mientras él fingía la representación. El éxito obtenido por tal experiencia, motivó que se repitiera posteriormente de manera voluntaria.

Como los romanos, a diferencia de los griegos, rendían culto al cuerpo y no a la mente, el actor pudo cobrar importancia en las representaciones escénicas. Con la costumbre de emplear un declamador para recitar el parlamento, el actor se concentró en lo gestual, terminando por suprimir la palabra, para recurrir exclusivamente a la mímica. Esto llevó a emplear un lenguaje corporal diferente el cotidiano, hasta lograr un nivel técnico, que permitió que la pantomima se convirtiera en el género teatral más importante del Imperio Romano.

Es conocida la rivalidad que existía entre poetas y mimos en la antigua Roma, hasta el punto que Cicerón, desafió a Roscio, un actor contemporáneo, a que tradujera sus palabras a gestos, lo cual hizo con perfección. Posteriormente, el auge de este arte se fue diluyendo.La suerte de los mimos dependía de las exigencias de cada Emperador. Augusto de Roma disfrutaba de sus esclavos mimos, Tiberio los elimina y Calígula los hace volver para más tarde otra vez expulsarles.Se sabe que a finales del Imperio Romano, el mimo comienza una decadencia y se ve obligado a representar los temas más polémicos de la sociedad, es tal la necesidad de causar emoción que las ejecuciones las vuelven una diversión. "El mimo se había convertido en un espectáculo nauseabundo. Sería necesaria la depuración del cristianismo para acabar con aquella desenfrenada orgía gesticulante." Peter Roberts.
A pesar de todo el mimo no murió. Los artistas se esparcen por Europa y comienzan a buscarse la vida en lugares públicos y dentro de estos artistas, encontramos mimos.
Al darse cuenta de que no se pueden erradicar, la iglesia católica reivindica públicamente la situación teatral. Se originan los Misterios medievales.

En Italia a mediados del siglo XVI, tuvo un resurgimiento con la Commedia dell’arte. Para finales de siglo, algunos actores de esta Commedia, fueron llamados por Enrique III de Francia, por encargo de su madre, Catalina de Medicis, pero fueron expulsados del país en 1697, debido a las libertades en que incurrieron al interpretar sus obras. Pero esta modalidad ya se había instalado a nivel popular, donde se afincó el personaje de “Pedrolino”, que Debureau recreó, y posteriormente se convertiría en “Pierrot”.


El mimo de hoy día está vinculado a la comedia dell'Arte, la cual era una comedia improvisada por actores en personajes fijos, Arlequín, Colombina y Pierrot.

En el siglo XX, influenciado por las características estéticas del Nō y la Commedia dell'Arte, Jacques Copeau retoma el concepto de las máscaras como una técnica para la enseñanza de las artes dramáticas. Étienne Decroux, pupilo de Copeau, desarrolla gracias a la influencia de su mentor una nueva técnica teatral denominada mímica corporal. La mímica corporal se enfoca a la representación dramática únicamente con la comunicación de los movimientos corporales.5

Se considera a Jean-Gaspard Deburau como precursor de la pantomima moderna. Debaru fue el pionero en la representación dramática de pierrot, en introducir diversos elementos que caracterizan a la pantomima moderna. Debaru fue el responsable de introducir la figura silenciosa de rostro maquillado de blanco.

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Re: La historia del Cine - Como Funciona el Cine.

Mensaje por gocuzero el Sáb Sep 06, 2014 11:17 am

Expresionismo Alemán Cine: Expresionismo Alemán


Es una corriente artística que apareció en los últimos años del siglo XIX y los primeros del XX como una reacción frente a los modelos que habían prevalecido en Europa desde el renacimiento, particularmente en las anquilosadas academias de Bellas Artes.

Surgimiento


Deberíamos remontarnos a los acontecimientos ocurridos en esa época para poder comprender su nacimiento. La Historia del Siglo XX aparece indefectiblemente bañada de negatividad. Hay quienes lo recuerdan como el siglo más terrible de la historia, otros lo consideran un siglo de matanzas y de guerras". Dumont dice que "ha sido el siglo más violento de la historia humana". En este contexto de negatividad surge el expresionismo, éste aparece como la primera manifestación o como la primera reacción, que testimonia el extrañamiento del mundo y la crisis que estaba atravesando el positivismo. Pues, como dice Hobsbawm, con la Primera Guerra Mundial comienza el derrumbe de la civilización occidental del siglo XIX, "una civilización que era capitalista desde el punto de vista económico, liberal en su estructura jurídica y constitucional, burguesa por la imagen de su clase hegemónica característica y brillante por los adelantos alcanzados en el ámbito de la ciencia, el conocimiento y la educación, así como del progreso material y moral." Y en este panorama el expresionismo aparece ineluctablemente como uno de los primeros movimientos de vanguardia que ha articulado estéticamente este comienzo de crisis en la apertura violenta del nuevo siglo.

Es sobre el presupuesto de crítica y oposición al positivismo que se proyectan las líneas de fuerza de los expresionistas. Si para los impresionistas la realidad era un dato exterior que estos pintores intentaban captar desde un pretendido efecto óptico (con el famoso golpe de vista) para los expresionistas la realidad era algo que había que experimentar desde la más profunda interioridad, y así apelaban a vivencias corporales y emocionales del mundo más que a su captación por el ojo. El artista expresionista trató de representar la experiencia emocional en su forma más completa, sin preocuparse de la realidad externa sino de su naturaleza interna. Así los autores en sus obras elegían algunos de los temas que consideraban más representativos de sus sentimientos, generalmente eran emociones relacionadas con la repulsión como muerte, angustia, tortura, sufrimientos.

El expresionismo alemán en el cine.


El expresionismo, no sólo dominó a las artes plásticas, a la música y a la literatura, sino que también estuvo presente en la mayoría de las producciones cinematográficas alemanas de esa época. En ellas preponderaba lo subjetivo que afloraba todo el universo mítico y fantástico a través de las formas y de las imágenes que reflejan un estado espiritual de angustia. Ella es la respuesta hacia un entorno que se muestra hostil, al cual el hombre no puede integrarse.

Algunos ejemplos…

El primer antecedente del expresionismo en el cine es “El estudiante de Praga” de Paul Wegener.


Expresionismo, corriente artística que buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva.
El arte expresionista trató de representar la experiencia emocional en su forma más completa, sin preocuparse de la realidad externa sino de su naturaleza interna y de las emociones que despierta en el observador. Para lograrlo, los temas se exageran y se distorsionan con el fin de intensificar la comunicación artística.En pintura buscaron mostrar sus aspectos mas atormentados mediante el uso de colores agresivos, la convulsión de las líneas, los colores manchados, las formas disgregadas, las líneas fracturadas, contorsionadas, ondulantes.Sintieron que el mundo se deshacía a sus pies, advertían los síntomas proféticos y proyectaban sobre el mundo exterior su vivencia de angustia.

En la literatura también significo una renovación de formas, se puso énfasis en las deformaciones que sufre el ámbito objetivo como consecuencia de estados anímicos o perturbaciones íntimas. Se busco el significado esencial de las palabras, lo que hizo que se tendiera a la síntesis, la economía verbal y a la ausencia de nexos lógicos.
Los objetivos de los expresionistas en el campo de la literatura, particularmente en la novela y el teatro, respondieron a las mismas características que las artes plásticas. Los personajes y las escenas se distorsionaban intencionalmente para producir un fuerte impacto emocional.
Un claro ejemplo de la literatura expresionista alemana fue Franz Kafka.


El teatro expresionista también introdujo nuevas formas de representación, puesta en escena y dirección. El objetivo consistía en crear un cuadro escénico globalizado que incrementara el impacto emocional sobre el público.
La pintura y el teatro expresionistas también influyeron en el cine como se aprecia en “El gabinete del Dr. Caligari” y en “Nosferatu, el vampiro”, con sus perspectivas distorsionadas y sus rostros mascarados.La música expresionista, que alcanzo su apogeo en el periodo de entre guerras, busco la expresión de las ansiedades, los terrores ocultos y el cinismo de la sociedad contemporánea. Para ello empleo composiciones cuidadosamente estructuradas y emocionalmente intensas, deformando las técnicas convencionales y remplazando las armonías tradicionales por otras más complejas y disonantes. La música es a menudo a tonal o producto de la distorsión, la polifonía es con frecuencia desnuda, y la melodía, prácticamente irreconocible.

Cine Características técnicas de las películas expresionistas

La escenografía:Como las películas se filmaban íntegramente en estudios, se utilizaban decorados pintados para ambientarlas.
En “El gabinete del doctor Caligari” (1919) de Robert Wiene, la escenografía adquiere trascendencia. Realizada con un sentido planimétrico, las calles y perspectivas no tienen profundidad real, sino que esto se logra mediante un telón de fondo que representa la prolongación de las callejuelas mediante líneas onduladas. No se respetan los ejes verticales, se transforman los interiores de exteriores en un marco inestable a punto de desintegrarse, con un movimiento que no es real pero si psicológico dado por la gran cantidad de direcciones diagonales. Las curvas inesperadas provocan una reacción psíquica distinta del que provocarían las líneas de corte armónico.
Mediante estas deformaciones de los planos escenográficos, el expresionismo alemán buscaba representar la complejidad psíquica con intensidad. Fueron varias películas en las que se desarrolló esta artificialidad en las escenas: “Genuine” y “Desde el alba a medianoche” de K.H. Martin y “Turgus” de H. Kobe.Las excepciones son “Nosferatu” de Murnau y “Metrópolis” de H.Lang, ya que estas también realizaron filmaciones en ambientes naturales.

La iluminaciónLas experiencias de iluminación llevadas a cabo por Mac Reinhardt en sus puestas teatrales fueron asimiladas por los directores de cine expresionistas y le dieron a las películas un sello muy particular a partir de la elaboración del claro oscuro, que es el contraste acentuado de luces y sobras; consiste en subrayar y destacar con exceso el relieve y contorno de un objeto a las molduras de un decorado.Los decorados se iluminan en la base, para acentuar el relieve deformado y transformado mediante una reunión de líneas. Para la iluminación se dispone de grande proyectores sobre los costados de los decorados, para eliminarlos en forma oblicua y aclarar violentamente la arquitectura o producir, con ayuda de las superficies salientes, esos estridentes acordes de luces y sombras.Esta aplicación la encontramos en películas como “Humunculus” (1916) de Rippert y Neuss, en “Metropolis” y La muerte cansada (ambas de Lang), donde se encuentran todos los contrastes en blanco y negro, los choques de luces y sombras.

El paisaje natural y el estudioComo para los alemanes es imposible separar al hombre de la naturaleza, optaban por construir paisajes artificiales, para poder hacer uso de la iluminación para construir personajes y objetos. Existen vínculos profundos entre los paisajes y los seres humanos, esto se convierte en un factor dramático. El expresionismo construye su universo, Lang comprendió que no se puede eliminar la naturaleza, sin embargo crea abstracciones y por ello volvió al paisaje expresionista para componer su jardín de los ricos en “Metropolis”.Hay una excepción notable a esta tendencia y es la que se da en el filme “Nosferatu”, donde contrariamente a lo que sucedía en la mayor parte de las películas de la época, los paisajes y las vistas de la ciudad o del castillo se rodaron al aire libre.

Los personajesHay una influencia directa de la literatura romántica en el delineamiento de los personajes, donde se caracterizan por su ambigüedad y desdoblamiento. En todas las películas se encuentra la temática del amor; como este transforma a los individuos y les causa sufrimiento, de esta manera las películas nunca tienen final feliz.Sus personajes son lúgubres, ocupan un lugar central en las películas a la vez que aquellos aparentemente siniestros se revelan como bastante inofensivos o viceversa.El desdoblamiento, con características demoníacas es frecuente en las películas alemanas: “Caligari” es al mismo tiempo un charlatán en una feria como un eminente doctor, o el personaje de la muerte en “Una muerte cansada” figura como un viajero común y corriente en busca de un terreno en venta.

El vestuario
El vestuario es también, al igual que la iluminación y el escenario, un factor dramático para el cine expresionista alemán. Sus personajes visten capas y sombreros de copas. Se maquillan sus caras de blanco para dar la idea de mascaras, símbolo recurrente de los expresionistas al igual que sus manos extremadamente salientes o crispadas.
En numerosas películas se mueven personajes con ropas de la época en donde comienza la caída de Napoleón hasta 1848 aproximadamente.

La interpretaciónLos personajes tienen movimientos abruptos y duros, quebrados a mitad de camino, que componen un rasgo habitual. Se produce una deformación de los gestos por medio de movimientos intensos que superan la realidad.


Las sombrasEl cine expresionista alemán supo sacar provecho de las sombras para connotar lo amenazante, el presagio siniestro o el destino implacable. De esta manera se convierten en símbolos.En la película “espectros” de 1916 la madre enloquecida que corre detrás de su hijo que delira, al pasar delante de cámaras encendidas, proyecta sombras intensas que se deslizan por las paredes de la escena evocando una persecución de demoniosTambién se utiliza para destacar el carácter de los personajes o dar sentido dramático a alguna escena; “cesare” de “el gabinete del doctor Caligari” al extender sus manos, proyecta su sombra sobre el muro.


Principales Obras
El estudiante de Praga
El primer antecedente del expresionismo es El estudiante de Praga, de Paul Wegener. Es la historia del estudiante Baldwin que cede al hechicero Scapinelli su imagen reflejada en el espejo para obtener, a cambio, riquezas innumerables y a la mujer amada. Se muestran el “yo” codicioso que lo hace sucumbir a tentaciones diabólicas y el otro “yo” bueno, que el ha traicionado, revelando con ello el miedo del individuo ante la emergencia de sus deseos ocultos y haciendo que los alemanes se den cuenta que el cine puede ser el médium de excelencia de su angustia romántica.Henrik Galeen hace la segunda versión (1926), acomodándose en el psicoanálisis y abandonando la ambigüedad de la primera.


El gabinete del doctor Caligari
Un paradigma de del cine expresionista Alemán fue El gabinete del doctor Caligari de Robert Wiene (1919), película que sentaría las bases de este movimiento llevado al cine. La película narra como dos amigos visitan una feria. En ella, un tal Dr. Caligari anuncia a alguien que es capaz de adivinar el futuro. Uno de los dos amigos le pregunta al vidente hasta cuando ha de vivir, a lo que el adivino (Cesare) le contesta que no pasará de esa noche. Efectivamente, el joven amanece apuñalado en su propio cuarto. El otro amigo comienza a investigar al adivino y al siniestro doctor para averiguar la verdad sobre lo ocurrido. La idea de los guionistas era la de denunciar la actuación del Estado alemán durante la guerra.Robert Wiene, el director, añadirá dos nuevas escenas al guión, una al principio y otra al final, que cambiarán todo el sentido de la historia, pues se convierte en el relato imaginario de un loco que cree ver en el director del hospital psiquiátrico en el que se halla el terrible doctor Caligari.
Será junto al personaje de Charlot, el primer gran mito de la historia del cine. Los críticos franceses acuñaron la palabra caligarismo para designar las películas alemanas de la nueva estética.



El Golem
Mostrando la afición hacia los temas fantásticos que habrían de caracterizar al cine alemán de los ´20, Paul Wegener protagonizó, rescribió, dirigió El Golem (1920). Se trataba de un muñeco hecho de barro al que un medallón mágico le hace cobrar vida para ayudar a los judíos en épocas adversas. Buena atmósfera dominada por la astrología y por la superstición y una explicación del porqué del fracaso de los judíos del ghetto de Praga para forjarse como una nación.


Nosferatu
Una de las películas cumbres del movimiento fue Nosferatu, de Friedrich Murnau. Se presentó el e zoológico de Berlín (1922), y a causa de la censura, se tuvieron que cortar algunas escenas consideradas macabras, hasta se tuvo que realizar una redición del filme original.Es una adaptación furtiva del texto de Stoker (Drácula), al que sus creadores modificaron tanto el título como el nombre de sus personajes, pero ello no evitó que la viuda de Stoker les llevara a juicio por plagio y ganara; lo que obligó destruir las copias. Sin embargo ya se habían vendido algunas copias a EE.UU y a algunos países europeos, lo que permitió que la película sea popularizada recién el 1972, cuando sale por primera vez en video.
Murnau, respetando y a la vez renovando las claves estéticas del expresionismo germánico, consiguió plasmar la terrible personalidad del conde y sus inquietantes atributos: un cuerpo rígido, rostro decrépito, orejas de rata, cabeza calva, dos colmillos horripilantes y largas uñas.
La novela El Dr. Mabuse de N. Jaques, constituye la base de la historia de este genio del mal, llamado Dr. Mabuse, cuya imponente figura se convertirá en el antecedente fílmico de todas las grandes mentes criminales que han asolado las pantallas desde entonces.
El conde Orlock cambará su residencia desde los Cárpatos a occidente. Para ello se procura al contable que lo visita para acompañarlo en su mudanza como un servidor. Una vez instalado, conoce a una joven, ya prometida, de quien se enamora. Comenzará a visitarla por las noches para ir bebiendo su sangre de a poco, y convertirla así en su esposa. Pero el malestar que sufre la joven alerta a su familia, que se contacta con el profesor Bulwer, quien tiene que enfrentarse con el mal encarnado en aquel conde.
Cosa destacable es, el que se presentase el vampiro, demás de cómo bebedor de sangre como portador de la plaga: aya por donde pasa Nosferatu estalla la peste negra con efectos aniquiladores. Para acentuar el aire de cosa impura y putrefacta, al vampiro se le ve a menudo rodeado de ratas. Cabe señalar la idea romántica de que el vampiro puede ser destruido si una mujer de corazón puro ofrece su vida haciéndolo quedarse junto a ella hasta que surja el sol y sus rayos desintegren a la bestia.

Metrópolis

Otro icono del movimiento, fue Metrópolis de Fritz Lang (1926). Esta película es una adaptación de una novela de la esposa de Lang (Thea Von Harbour), que hace referencia al asombro de este director cuando vio por primera vez los enormes edificios de Nueva YorkLa historia se desarrolla en el año 2000, cuando la acaudalada clase dominante vive en enormes rascacielos de lujo, mientras que los obreros esclavizados trabajan en una rutina de pesadilla debajo de la tierra. El héroe, Freder, es el hijo mimado de Fredersen, uno de los dirigentes ricachones. Freder se reforma cuando conoce a María, la más hermosa de los habitantes subterráneos. Él viaja de incógnito por este mundo escondido y se queda espantado de la vida que llevan, por lo que comienza de inmediato una campaña de reformas humanitarias. El malvado industrial Rottwang no puede permitir que esto ocurra, por lo que planea que los esclavos se vuelvan contra los reformadores. En su laboratorio iluminado por luces de neón, Rottwang, crea un robot a imagen de María concebido para ser un profeta que pierda a las masas. Después de una revuelta que destruye todo lo que encuentra a su paso y un a inundación subterránea de proporciones bíblicas el déspota Fredersen, ve la verdad y decide tratar a la clase trabajadora con justicia y compasión.
Metropolis fue concebida como una gran producción de 205 minutos. Con un rodaje de 2 años y con un presupuesto de más de 5 millones de marcos de la época, el filme se convirtió en el más caro de su tiempo y llevó a la ruina a la poderosa Productora nacional UFA.


Expresionismo hoy

La influencia del expresionismo ha llegado hasta nosotros a través de directores particularmente notables: Tim Burton es uno de ellos y hace guiños en la mayoría de sus producciones a la temática tan querida por los directores alemanes de los años veinte, terror, oscuridad, ambiente gótico, etc.En Batman vuelve la estética está claramente influida por los clásicos del expresionismo alemán. La nueva Ciudad Gótica —donde nieva todo el tiempo— está constituida por monstruosas estructuras, dignas de Metrópolis (Fritz Lang, 1927). Un entorno con más de cuento de hadas que de film noir. Y el ambicioso magnate encarnado por Christopher Walken se llama Max Schreck, como el actor que hizo del vampiro en Nosferatu, una sinfonía de horror (Nosferatu, eine symponie des grauens, Friedrich Willhem Murnau, 1922).

Burton ha absorbido estas características de un modo indirecto, a través de las películas de terror que formaron parte de su educación sentimental. Ya hemos visto que ha reflejado a lo largo de toda su carrera su pasión por las películas de monstruos, el oscuro y fantástico mundo de Vincent Price y sus películas sobre textos de Poe y la estética del cine de la República de Weimar. Las películas de Tim Burton recogen elementos de las distintas concepciones del gótico su obra se inserta en lo que es toda una tradición gótica. En Alemania, la acusada tradición gótica tuvo una especial continuidad, una manifestación más virulenta y adaptada a las nuevas circunstancias socioculturales, que recibió al llegar al siglo XX el nombre de expresionismo.
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Re: La historia del Cine - Como Funciona el Cine.

Mensaje por Fenix de hielo el Sáb Sep 06, 2014 4:20 pm

La verdad, un tema de lo más interesante Gocuzero!!
Muy bien documentado ,y bien desarrollado como lo vienes llevando.
Se me ocurre si quizá entonces esta carpeta cuadraría mejor en la sección Rincón de las bellas artes, ya que allí se tratan temas de música, cine, etc, en tanto esta sección es más relativa a las conspiraciones y sociedades secretas.
Claro que el cine tiene relación con las hermandades secretas, pero creo que el enfoque que tu deseas dar a este tema, es más bien en cuanto a como surgió el cine, y su historia, verdad?
Si es así, y no tiene relación con las hermandades y logias el enfoque que deseas darle, quedaría mejor trasladar el tema a Rincon de las bellas artes. Ya me dices luego tu parecer.
Te felicito nuevamente por el tema, muy bueno!


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Re: La historia del Cine - Como Funciona el Cine.

Mensaje por gocuzero el Dom Sep 07, 2014 9:01 am

@Fenix de hielo escribió:La verdad, un tema de lo más interesante Gocuzero!!
Muy bien documentado ,y bien desarrollado como lo vienes llevando.
Se me ocurre si quizá entonces esta carpeta cuadraría mejor en la sección  Rincón de las bellas artes, ya que allí se tratan temas de música, cine, etc, en tanto esta sección es más relativa a las conspiraciones y sociedades secretas.
Claro que el cine tiene relación con las hermandades secretas, pero creo que el enfoque que tu deseas dar a este tema, es más bien en cuanto a como surgió el cine, y su historia, verdad?
Si es así, y no tiene relación con las hermandades y logias el enfoque que deseas darle, quedaría mejor trasladar el tema a  Rincon de las bellas artes. Ya me dices luego tu parecer.
Te felicito nuevamente por el tema, muy bueno!

Creo que si seria lo mejor
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Re: La historia del Cine - Como Funciona el Cine.

Mensaje por gocuzero el Sáb Sep 13, 2014 1:11 pm

EL CINE SONORO


Anteriormente al cine sonoro ya existía el sonido en el cine. Los cineastas y proyectistas se habían preocupado de ello, pues el cine nace con voluntad sonora. En las primeras filmaciones cortas en que aparecen actores y actrices bailando, el espectador no oye la música, pero puede observar sus movimientos. Por otra parte, rara vez se exhibían las películas en silencio. Los hermanos Lumiére, en 1897, contrataron un cuarteto de saxofones para que acompañase a sus sesiones de cinematógrafo en su local de París y hubo compositores de valía, como Saint-Saéns que compusieron partituras para acompañar la proyección de una película. Músicos y compositores tenían en el negocio del cine mudo una fuente de ingresos. No sólo la música, también los ruidos y acompañamiento tenían cabida en el cine mudo, por lo que algunos exhibidores disponían de máquinas especiales para producir sonidos, tempestades o trinar de pájaros. Cierto es que este sistema era solamente posible en grandes salas, en ciudades o lugares de público pudiente, y escasamente podía apreciarse en pueblos o lugares alejados. Todos los instrumentos eran válidos para hacer música en el cinematógrafo aunque el piano (y la pianola) era normalmente el más apetecido.

Algunos experimentos habían demostrado que las ondas sonoras se podían convertir en impulsos eléctricos. En el momento en que se logró grabar en el celuloide esta pista sonora, se hizo posible ajustar el sonido a la imagen, y por lo tanto hacer sonoro el cine.

Thomas Alva Edison, uno de los inventores del cinematógrafo, había conseguido grabar la voz humana en su fonógrafo en el año 1877. No fue el primero, ya que Muybridge gravó la progresión del galope de un caballo en 1972. Estos dos precursores sientan las bases de los inventos posteriores. En el caso del cine, el problema que no se conseguirá solucionar de manera rentable y eficaz hasta después de la Primera Guerra Mundial será la sincronización de sonido e imagen.

En el año 1893, el físico francés Démeny inventó lo que se llamó fotografía parlante. Charles Pathé, uno de los pioneros del cine, combinó fonógrafo y cinematógrafo, llegando a fabricar unas 1900 películas cantadas. Y también en la misma época, Léon Gaumont desarrolló un sistema de sonorización de films parecido, que presentó en la Exposición Universal de París de 1902. Otros inventos posteriores, el de Eugène Lauste y el de Messter Baron y Ruhmer, en la segunda década del siglo XX, son importantes como primeros experimentos, pero no llegaron a buen término a causa de la mala calidad del sonido resultante o problemas con la sincronización.

Así, en 1918, es patentado el sistema sonoro llamado TriErgon, que permitía la grabación directa en el celuloide. Pero no será hasta el año 1922 que Jo Engel, Hans Vogt y Joseph Massole presentan el primer film, Der branstifer, que lo utiliza incorporando las aportaciones del ingeniero norteamericano Lee de Forest. El sistema que usan estos alemanes dará lugar al llamado Movietone, que será utilizado por la Fox antes de la estandarización y al llamado Tobis Klangfilm.

En 1923, el ya mencionado Lee de Forest presenta su invento definitivo y establece las bases del sistema que finalmente se impuso. El Phonofilm resolvía los problemas de sincronización y amplificación del sonido, porque lo grababa encima de la misma película. A pesar del éxito logrado con la proyección de una secuencia de The Covered Wagon, la falta de financiación postergó la implantación del invento hasta el año 1925. Los empresarios que dominaban el sector no creyeron en él en aquel momento, porque la adopción del sonoro implicaba una fuerte inversión, ya que había que adaptar los estudios y todas las salas de proyección.

En 1925, la compañía Western Electric decide apostar por Lee de Forest y, en el año 1926, se inició la producción bajo la tutela de la Warner Brothers que, con esta apuesta, pretendía superar una mala situación económica. Y así ese año presentaban cinco cintas en que la imagen convivía con el sonido gracias al sistema Vitaphone de sincronización disco-imagen. Éstas consistían en un discurso de William Hays, una pieza interpretada por la New York Philarmonic Orchestra, una pieza de violín tocada por Mischa Elman, una audición de la cantante Anna Case y la película de Alan Crosland, Don Juan, con John Barrymore como protagonista y en la que se había añadido una partitura interpretada por la orquesta antes citada.



Las nuevas técnicas, el espíritu creativo y emprendedor de los cineastas y la búsqueda del más difícil todavía, hizo que se impusiera el cine sonoro, acabando, no sin dificultades y dejando a mucha gente en el camino, con el cine mudo. Cuando el cine sonoro demostró su rentabilidad, las películas mudas, a pesar de su arte, quedaron condenadas a pasar a la historia. El cine mudo había durado 35 años.

En 1926 se estrenó en Nueva York Don Juan, con efectos sonoros y una partitura sincronizada y posteriormente varios cortos que fueron perfeccionando los dos sistemas, el Vitaphone (la Warner) y en competencia el Movietone (la Fox). El 6 de octubre de 1927 se estrenó El cantor de jazz (The Jazz Singer), considerada la primera película sonora de la historia del cine, que hizo tambalear todos los planes del momento del cine mudo. Hacia 1930 el sonoro era un hecho, y el cine mudo había sido definitivamente vencido.

En el mundo de los actores se produjo el pánico, ya que temieron, y con razón, que sus voces no fueran adecuadas a los cambios, y todos fueron obligados a «pruebas de voz». A pesar de que la mayoría de los actores superaban las pruebas, actores significativos, aunque no por causa de la voz, quedaron en el camino (John Gilbert, Buster Keaton...).

«El cine sonoro no era simplemente el mudo con sonido incorporado, sino una nueva forma de expresión que tenía que reconciliar lo real (la grabación precisa de palabras y sonidos) con lo irreal (la imagen bidimensional), mientras que el cine mudo había sido una unidad armoniosa, completa por sí misma». (Planeta, 1982).

Algunos directores de fotografía afirman que el cine sufrió un inmenso retroceso al llegar el sonoro, pues limitó enormemente las posibilidades creativas del mismo. Cierto es que perdió con celeridad cierta fluidez, creatividad y ritmo, y tal vez sufrió unos años de retraso el avance imparable en el que se veía inmerso el lenguaje cinematográfico. Las cámaras hacían mucho ruido, y las filmaciones debían hacerse en riguroso silencio. Los micrófonos lo captaban todo y al mismo tiempo no se entendían correctamente las voces de los actores. El operador, encerrado en una cabina insonorizada no se enteraba de nada que no veía, lo que ralentizaba el trabajo y hacía perder agilidad a los movimientos narrativos.

Algunos historiadores del cine dicen, no obstante, que afirmar lo anterior es magnificar el problema, ya que en muy poco tiempo se montaron las cabinas para la cámara sobre ruedas y enseguida se blindaron las cámaras insonorizándolas totalmente, con lo que recuperaron la movilidad anterior. Hacia 1928 se habían superado la mayoría de los problemas técnicos con los que se inició el cine sonoro, se inventó la «jirafa», el micrófono que se coloca en lo alto de la escena y se evitaron así las cámaras insonorizadas, pesadas y aparatosas, que impedían la movilidad en las escenas.
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Re: La historia del Cine - Como Funciona el Cine.

Mensaje por Nosferatu el Sáb Sep 20, 2014 12:17 pm

Excelente reseña del cine a través de los tiempos. Muy buen documento de consulta clapyclap




"Esta conspiración satánica" sólo tiene éxito porque la gente no puede creer que  algo tan colosal y de monstruosa realidad exista.“
(Henry Makow)  
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Re: La historia del Cine - Como Funciona el Cine.

Mensaje por gocuzero el Vie Oct 03, 2014 4:27 pm

CINE AÑOS 30-40


El cine en la década de los 40:
[...] Es difícil establecer una unidad en el cine de los 40, pues existen tres períodos. El primero comprende los años 1940 y 1941, antes de que Estados Unidos entrara en la guerra. El segundo abarca hasta el final de la guerra en 1945. El tercero es la posguerra y la recuperación de los cines nacionales europeos. El cine de los 20, terminada la Gran Guerra, es la época de aquella generación de cineastas de todo el mundo que desarrollaron y llevaron a la perfección el lenguaje del cine mudo (imagen y música) establecido en la década anterior por Griffith. Y era un cine internacional, pues bastaba con cambiar el idioma de los rótulos, cada vez menos numerosos. En los años 30, con el sonoro, surgió el teatro fotografiado. Pero pronto los «herederos de Griffith» aprendieron a utilizar la palabra hablada como complemento de la imagen.

Roma, ciudad abierta (1945) Los 40, por tanto, son la segunda década del cine sonoro. Pero también suponen el nacimiento del cine moderno: por un lado, el cine que medita sobre su identidad y la identidad de los personajes, y la relación entre actor y personaje, un cine que da a la palabra hablada una importancia desconocida en la década anterior: Orson Welles hace en 1941 Ciudadano Kane; el hombre que «reinventa» el cine es un hombre de la radio. Y, por otro lado, el cine con actores naturales, el cine considerado como instrumento de conocimiento y de comunicación (el neorrealismo y Rossellini: Roma, ciudad abierta fue rodada en 1945).

[La II Guerra Mundial:]

La primera voz que desde América se alzó contra los nazis fue la de Charles Chaplin en El gran dictador (1940). Curiosamente, Chaplin era el único cineasta que todavía no había aceptado el cine «hablado» y ésta fue su primera película hablada, en la que hace un discurso de siete minutos. Se hace cine antinazi: Lubitsch rueda To Be or Not To Be. Y directores europeos se incorporan al cine americano: Jean Renoir, Alfred Hitchcock, Max Ophuls, Douglas Sirk, Fritz Lang, Robert Siodmack, Otto Preminger y Billy Wilder, entre otros.

Bogart en El Halcón maltés (1941) Nuevos directores:
John Huston inaugura la serie negra con El halcón maltés (1941). Y después de la guerra surge una nueva generación de cineastas: Nicholas Ray, Elia Kazan, Jacques Tourneur, Joseph Mankiewicz, Anthony Mann, Samuel Fuller, Bud Boetticher o Donald Siegel. La comedia americana está representada en estos años por personalidades como McCarey y Preston Sturges. En 1948, Vincent Minnelli rueda El pirata con Gene Kelly, y este último codirige con el joven Stanley Donen en 1949 Un día en Nueva York.

Western:
John Ford, que en el año 40 y 41 había conseguido su segundo y tercer Oscar por Las uvas de la ira y Qué verde era mi valle, vuelve al western con Pasión de los fuertes y Fort Apache. Howard Hawks dirige en 1948 Río Rojo. Y King Vidor, junto con O'Selznick, inaugura el super-western: Duelo al sol. En esta década, el cine pierde a tres cineastas importantes: Lubitsch muere el 30 de noviembre del 47, Eisenstein el 11 de febrero de 1948 y Griffith el 23 de julio de 1948. (Antonio Drove)
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Re: La historia del Cine - Como Funciona el Cine.

Mensaje por gocuzero el Vie Oct 03, 2014 5:22 pm

Technicolor


En los años 30-40 Para poder tener una película  “a color” se necesitaban de equipos y proceso laboriosos y sumamente costosos. Blancanieves y los Siete Enanos   Seguramente alguna vez viste o leíste, que la película animada de Disney “Blancanieves y los Siete Enanos” fue pintada a mano. Tal vez se te hizo algo lógico al ser dibujos animados, pero ¿te has preguntado cómo hacían las películas no animadas?
 La respuesta es ¡Technicolor! Una cámara especial que filmaba a blanco y negro pero captaba la luz de distintas formas, a través de 3 filtros de color. Básicamente eran el Rojo, el Verde, y el Azul; y cada uno sustraía ese tono de la toma, y al final todos se mezclaban y teñían algunas partes para resaltar aún más los colores. Este sistema tricromático era 50% más caro que realizar un filme a blanco y negro, y hacía que algunos colores se vieran más saturados de lo que realmente eran.

Coloreado a mano

Auque También existieron los artesanos del cine como Georges Méliès (Francia) u Oskar Miester (Alemania) que coloreaban a mano cada fotograma del film (hasta con cuatro colores) para dar la sensación de imagen a color. Pero esta técnica demandaba mucho tiempo y dedicación y no era rentable económicamente, por esto sólo quedó como una técnica parcial en determinadas películas. Pero la productora Pathé en Francia mecanizó el coloreado (sistema estarcido) y explotó hasta los años 30 la proyección de películas a color.

Kinemacolor


Si tenemos que hablar del primer sistema en mostrar imágenes en movimiento a color, tenemos que hablar de la Escuela de Brighton (Reino Unido). La misma estaba compuesta por James A. Williamson, Alfred Collins y George Albert Smith;  este último en el año 1906 inventa el Kinemacolor bajo encargo de Charles Urban (trabajó con poco éxito con Turner en la cámara de Turner)  que se encargó de su comercialización (Urban’s Trading Co.), desde los años 1908 y 1914.

El funcionamiento del Kinemacolor tiene como base tanto el fenómeno phi y la persistencia retiniana. El sistema exponía fotogramas sucesivos de un film alternándolos con filtros de color verde y rojo. Dichos filtros estaban sujetos en un disco rotatorio situado delante de la película (se proyectaba a través de discos coloreados).
El Kinemacolor fue un éxito rotundo en el Reino Unido, llegándose a instalar en 300 salas cinematográficas. Pero en paralelo William Friese-Greene estaba trabajando en un sistema basado en el Kinemacolor llamado Biocolour (más perfeccionado que el Kinemacolor). El espectador  experimentaba la verdadera sensación de estar viendo colores reales. El invento de William Friese-Greene se impone sobre Kinemacolor, llevando a la ruina a Charles Urban.

EL TECHNICOLOR.

Technicolor es un proceso de cine en color inventado en 1916 y después mejorado a lo largo de varias décadas.1 Se trata del segundo proceso principal de este tipo, tras el británico Kinemacolor, y el más utilizado en Hollywood entre 1922 y 1952. Technicolor fue conocido y reconocido por su nivel saturado de color, y se usó más comúnmente para filmar musicales como El mago de Oz y Cantando bajo la lluvia, películas de época como The Adventures of Robin Hood, o de animación como Blancanieves y los siete enanitos o Fantasía. Sin embargo, también se usó para comedias y dramas menos espectaculares, e incluso a veces en el cine negro, como en Que el cielo la juzgue o Niágara.


Una de las primeras películas en grabarse con esta tecnología (y de las más famosas) fue la película de culto “The Wizard of Oz” (1939) de Metro-Goldwyn-Mayer protagonizada por Judy Garland. Los colores en este filme son extremadamente brillantes, y para evitar que durante la filmación se perdieran algunas tonalidades, todo en el set era aún más brillante que lo que parece en pantalla; la iluminación era tan excesiva que muchos actores tuvieron problemas de la vista, sin contar con el calor de 34° Celsius que vivían en el set. Y claro, para aprovechar la tecnología Technicolor, fue que los zapatos de Dorothy, pasaron de ser plateados (como en la obra original de L. Frank Baum) a ser color rubí




Ya desde 1924, Technicolor tenía en mente un proceso a todo color, y para 1929 la compañía estaba trabajando activamente en desarrollar ese proceso. Hollywood había hecho tanto uso de Technicolor entre 1929 y 1930 que muchos pensaban que la industria del cine pronto pasaría a producir exclusivamente en color. Para 1931, la Gran Depresión afectó a la industria del cine, que comenzó a hacer ajustes económicos. La producción en color se había reducido drásticamente para 1932, cuando Burton Wescott y Joseph A. Ball completaron el trabajo de desarrollar una nueva cámara en tres colores. Technicolor ahora podía prometer a los estudios un rango completo de colores, a diferencia del espectro limitado al rojo y al verde de las películas anteriores. La nueva cámara exponía simultáneamente tres tiras de película en blanco y negro. La luz que pasaba a través de la lente se dividía a través de un prisma en dos rayos de luz. Uno pasaba a través de un filtro verde, que bloqueaba la luz roja y azul y formaba una imagen en una tira de película pancromática (es decir, sensible a todo el espectro luminoso). El otro pasaba a través de un filtro magenta que bloqueaba la luz verde y se imprimían en un bipack de dos películas con sus lados emulsionados presionados juntos. La película frontal era sensible sólo a la luz azul y sólo filmaba el lazo azul del espectro. Su emulsión tenía una capa superficial de tinta naranja rojizo que evitaba que la luz azul llegar a la película pancromática justo debajo, que así sólo registraba el lado rojo de la luz. Los tres negativos resultantes se usaban para producir tres matrices de impresión, que a su vez se usaban para imprimir imágenes de tinta superpuestas en cyan, magenta y amarillo en una sola tira de película, creando una copia de proyección a todo color.

Kalmus convenció a Walt Disney de que filmara una de sus Sinfonías tontas, Árboles y flores (1932) en el proceso 4, el nombre que se le dio al nuevo proceso de "tres tiras". Viendo el potencial del Technicolor a todo color, Walt Disney negoció un contrato para el uso en exclusiva del proceso que duraría hasta septiembre de 1935 (cuando otros estudios podrían producir películas en el nuevo sistema, pero no podrían estrenarlas hasta 1936).Competidores como los Fleischer Studios y el estudio de Ub Iwerks se quedaron atrás, teniendo que usar sistemas de Technicolor en dos colores o procesos de la competencia como Cinecolor.

Árboles y flores fue un éxito tanto de crítica como de público, y ganó el primer premio Óscar al mejor cortometraje de animación. Todas las siguientes Sinfonías tontas de 1933 en adelante se rodaron en tres colores. Una de ellas, Los tres cerditos (1933), consiguió una respuesta tan positiva de la audiencia que eclipsó a las películas con las que se proyectaba. Hollywood volvió a inclinarse hacia el cine en color. Según la revista Fortune, "Merian C. Cooper, productor de RKO Radio Pictures y director de King Kong (1933), vio una de las Sinfonías tontas y dijo que nunca más querría hacer una película en blanco y negro".

Aunque los primeros 60 y tantos cortometrajes de animación de Disney en Technicolor usaron la cámara de tres tiras, se creó un proceso de "exposición sucesiva" alrededor de 1937 pensado para el trabajo de animación: La cámara tendría una tira de negativo en blanco y negro, y cada celda de animación se fotografiaría tres veces, en tres fotogramas consecutivos, tras filtros alternativos rojo, verde y azul (la llamada "Rueda de color Technicolor").17 Así se creaban tres matrices de transferencia de tinta a partir de las filamciones en rojo y azul, en sus respectivos colores complementarios, cyan, magenta y amarillo.
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